Por fin llega a nuestras manos, después de ese aperitivo que fue “Mr. Shoji” (bombazo bailable con aires jamaicanos, mejor canción de 2009 para la revista Rockdelux), el esperadísimo segundo disco de SINGLE, el grupo comandado por Teresa Iturrioz e Ibon Errazkin.
Quienes conozcan su pasado de culto al frente de LE MANS encontrarán en este disco algunas claves que conectan ese pasado mítico con el futuro esplendoroso que han ido abriendo en este nuevo proyecto. Si “Pío pío”, primer álbum de SINGLE, era una colección de canciones compuestas en un período de años, experimentando con nuevos formatos, ritmos y programaciones y encontrando nuevos caminos para su curiosidad inagotable, “Monólogo interior” es un álbum más clásico y compacto, sin un argumento conceptual pero sí con un enfoque más intimista y menos declaradamente rítmico.
No quiere decirse que se dejen a un lado los ritmos animados e incluso bailables: ahí están el ritmo de orquestina onírica de “Fotos”, el tango futurista de “Oda a los negros”, el cimbreo latino de “Gracias a la vida” o el frenesí instrumental de “Monólogo interior” (la canción). Pero, en este caso, los ritmos pierden sofisticación para abrazar un sonido algo más retro, de caja de ritmos vintage, que contrasta a la perfección con los arreglos futuristas de teclado y sintetizador. En especial, con los sintes galácticos que ha incluido Genís Segarra (ASTRUD, HIDROGENESSE) en la práctica totalidad de las canciones del disco, perfilando la personalidad de cada canción con detalles dignos de Jean-Jacques Perrey, de Joe Meek o de soñadores cibernéticos más actuales como ISAN.

**Ya disponible en nuestra tienda Online

**Salida a tiendas en Octubre

**Puedes ver el vídeo de Posponías AQUÍ:
http://www.youtube.com/watch?v=yNL58SQ8b1I

La mejor juventud: L-KAN han dado color a noches interminables en las mejores pistas tecno-pop de Madrid con discos como “Cosas que miden poco” o “Discazo”. Pero llega el momento de cambiar el rumbo, de abrir puertas, de probar cosas nuevas y la urgencia irreverente se convierte en incontenible inquietud. Luis y Belén (por cierto, grandes activistas de la noche madrileña, responsables de salas como el Ocho y Medio y el Elástico) deciden formar BLA (proyecto paralelo a L-KAN) para dar rienda suelta a todo lo que les bulle en la cabeza, buscando un sonido más orgánico con letras con un toque más incisivo. Y la primera muestra de todo esto es “La mejor enfermedad”, un disco que sitúa en escena a dos compositores con las ideas muy claras, una propuesta novedosa entre las manos, y una habilidad con las melodías y los arreglos poco común. De la fantasía de “Cómo seremos” a la irreverencia de “Los exnovios”, de la delicadeza de “Yo soy como Portugal” a la introspección de “Mira lo que se oye cuando estamos callados”. De ese nada disimulado guiño a la pista en “Siempre hay una más” al pop pluscuamperfecto de “La canción que nunca llegó a serlo”. Luis y Belén han traído bajo el brazo una propuesta refrescante, original, novedosa y sobre todo divertida, asimilando la herencia de los mejores representantes del pop en castellano: LOS FRESONES REBELDES, ASTRUD, FAMILY, CARLOS BERLANGA, CHICO Y CHICA y más. Todo el mundo hablará de BLA y de su gran enfermedad.

Audio AQUI [DEEZER]

VINILO AGOTADO Y DESCATALOGADO!!!

Por fin está aquí. El trono ya está ocupado. Durante años, todos los fans del mejor pop esperaban con ahínco ese grupo que ocupase el espacio que había entre THE PIPETTES, LUCKY SOUL y BELLE & SEBASTIAN, herederos del mejor pop de los años sesenta (THE SHIRELLES, THE RONETTES, THE SUPREMES...) y del mejor pop escocés (CAMERA OBSCURA, BMX BANDITS...). Pero por fin está aquí, “Loveless Unbeliever”, el disco de debut de THE SCHOOL. Y es que la banda de Cardiff, tras los singles “Let it slip” y “All I Wanna Do”, con los que han conquistado a la crítica y el público de medio mundo, además de crear unas inusitadas expectactivas, han demostrado ser la perfecta punta de lanza de un sonido al que hoy todavía se le rinde profunda pleitesía. De nuevo con la producción de Ian Catt (SAINT ETIENNE, TREMBLING BLUE STARS, THE FIELD MICE, SHAMPOO, THE BOO RADLEYS…) certifican su increíble habilidad con las melodías y los arreglos, firmando un álbum con más trufas que un campo de carrascas, donde joyas como “Valentine”, “Is he really coming home”, “I want you back” o “Hoping and praying” se presentan como incontestables candidatas a permanecer de manera perenne en nuestros reproductores musicales.

Video "Is he really coming home?" AQUI

Audio AQUÍ [DEEZER]:

[Edición limitada Vinilo Rojo]

Que levante la mano quien conozca a un grupo con una actitud más punk a día de hoy. ¿No estábamos hace unos pocos meses hablando de ese disco recopilatorio con temas en español que fue “No controles”? Pues el caso es que ese par de agitadores (y terroristas) de la cultura popular que son Françoise Cactus y Brezel Göring vuelven con nuevo disco. Diecisiete temas elegidos entre más de 40, donde destacan el “No controles” de OLÉ OLÉ y el “Voy a ser Mamá” de ALMODOVAR Y MACNAMARA (esta vez en ingles!!), revisitaciones de personajes inigualables (Divine en “Divine’s Handtasche” y Andy Warhol en el tema que lleva su nombre), versiones de todo tipo, desde Brigitte Fontaine (“Barbe À Papa”), a KRAFTWEERK (“Tour de France”), pasando por Rita Pavone (“Wenn ich ein Junge wär”, que tambien popularizo Nina Hagen en 1979) o del trio Canadiense SOUPIR (“Larmes De Mêtal”), gamberrismos imposibles (“Babyboom Ohne Mich”), viajes espaciales de melodías inolvidables (“Baby Ouh”), pero sobre todo esa puntería suya tan identificativa que hace de la inmediatez una bandera que solo ellos pueden enarbolar con orgullo y suficiencia (“Alaska”, “Lady Dandy”).

Un disco en el que STEREO TOTAL dan rienda suelta a su vena más guitarrera, la que devanea entre la fiereza de LE TIGRE y la inmediatez de LOS RAMONES. Semejante cóctel no puede más que acabar en una increíble colección de estribillos aplastantes, una nueva demostración de por qué son y serán una banda única, inimitable, con una personalidad irrepetible y una puntería de inmediatez inabarcable. Ellos mismos han utilizado las palabras perfectas para definirse con motivo de esta última entrega: glamour histérico. Ya te digo.

La mayoría de edad, por anhelada no significa que deje de ser un proceso duro, complejo y dificultoso. Eso debió pensar Andrew Laidlaw, cerebro compositivo del sexteto de Greenwich (Inglaterra), cuando al regresar a su ciudad después de dos intensos años de éxitos tras “The Great Unwanted”, tanto a nivel de crítica (medios como Times, The Guardian, Uncut o Pitchfork cayeron rendidos a las excelencias de lo que declaraban un disco de pop sin paliativos y renovador) como de público (las más de 50.000 copias vendidas por todo el mundo así lo testifican), se encuentra sin nada donde agarrarse. Viviendo en el estudio de la banda, donde tocaba el piano constantemente hasta bien entrada la madrugada, duchándose en la piscina municipal y concentrándose en crear un segundo álbum que, como él mismo reconoce, le llevó incluso a momentos de fugaz locura, se debate entre la confusión de sentimientos que semejantes contrastes le provocan.

Éste es el nacimiento de “A coming of age”, el segundo álbum de LUCKY SOUL, un disco donde, abundando en la puntería melódica, su habilidad con los arreglos y su facilidad para fabricar hits, añaden ese plus de complejidad con un álbum lleno de matices, aristas, canciones que hablan de melancolía y pérdida, siguiendo la senda que marcaban aquellas sentencias agridulces que habitaban en el “Pet Sounds”, de sentimientos encontrados, de ese proceso de purificación que lleva de la oscuridad a la luz más absoluta. Una luz que abruma en canciones como “Woah Billy!”, “White Russian Doll” o “Up in Flames”, una impresionante manera de meterse de lleno al disco; y un contraste con el intenso contraluz que desprenden composiciones como “Warm water”, “Could be I don’t belong anywhere” o la propia “A coming of age”. Vuelven a reformular el pop via northern soul, dan un golpe de maestría con un disco redondo, completo, complejo pero fácilmente disfrutable, lleno de aristas y matices, pero al mismo tiempo hábil y ágil a la hora de conectar con el oyente... Como los grandes clásicos.

**La edición de Elefant tiene portada diferente y contiene una canción extra inédita.

Todos aquellos irremediablemente enganchados a la música son conocedores de que, escondidos en los archivos de algunas discográficas, hay joyas irrepetibles que injustamente quedan ocultas al paso de los años, debido principalmente a los extraños caprichos de la industria y del destino. Elefant Records tiene el orgullo de recuperar de forma definitiva una de estas obras. Tras ofrecer el reconocimiento necesario a Nick Garrie con ese “49 Arlington Gardens” que registró hace dos años junto a Duglas T. Stewart (BMX BANDITS), Ally Kerr, Norman Blake (TEENAGE FANCLUB), y toda una troupe de grandes y reconocidos músicos escoceses, llega el momento de centrar toda la luz sobre su obra mítica. Y es que “The Nightmare of J B Stanislas” es un eslabón perdido dentro de la historia de la música, una obra maldita que rezuma inspiración por sus cuatro costados, una mezcla de la intensidad de Tim Buckley con el deje psicodélico de THE LEFT BANKE, irrepetible e inexplicable.

Su historia comienza con un joven Garrie que es llamado en 1969 por el sello francés DiscAZ (también hogar de artistas como Brigitte Bardot o Michael Polnareff), para grabar un disco de debut, tras haber escuchado unas maquetas que les impresionaron de gran manera. La producción queda a cargo de Eddie Vartan (hermano de Sylvie Vartan, e importante representante de la escena rock francesa), que echa mano de una orquesta de 56 músicos para llenar de arreglos y líneas melódicas un álbum que su compositor traía acústico y desnudo. El resultado es el susodicho “The nightmare of J B Stanislas” en el que la sobriedad de las melodías de Garrie, sus historias abstractas inundadas de la brisa de Saint Tropez, crean una extraña fórmula química con las orquestaciones de Vartan, dando lugar a esta obra increíblemente adictiva, un auténtico canon de belleza, de imaginación, de arreglos ampulosos y llenos de fantasía. El final de tan apasionante sueño viene cuando, pocos días después de que el disco saliese a la venta, el capo de DiscAZ, Lucien Morisse, se suicida, dejando el disco huérfano de padrinos y de promoción, lo que acabó por hacer que pocas copias llegaran a la calle.

Todo esto justifica esta edición definitiva, que incluye el disco original, aquellas maquetas que impresionaron a la gente de DiscAZ, su primer single, unas grabaciones realizadas en Portugal en 2002, y sobre todo, “The cuts”, recuperación de algunas de las composiciones de aquella época y que nunca llegaron a ser grabadas, y que son ahora registradas por el propio Garrie acompañado una vez más por la tropa escocesa de “49 Arlington Gardens”. A esto hay que sumarle una edición cuidada al detalle y rematada con un increíble libro de 44 páginas en el que Garrie novela su propia vida, y con ello, la historia de este disco que nunca más volverá a recibir el apellido de maldito. Esta obra es la que ha hecho derretirse a gente como Gary Olson (LADYBUG TRANSISTOR), Francis McDonald (NICE MAN, TEENAGE FANCLUB), Guille Milkyway (LA CASA AZUL) o nuestra querida Tracyanne Campbell (CAMERA OBSCURA), y ahora es el momento de que reciba el merecido tributo, del cual esta increíble edición es el primer paso.

CD1 THE NIGHTMARE OF J.B. STANISLAS - 1. The nightmare of J.B. Stanislas 2. Can I stay with you 3. Bungles tours 4. David’s prayer 5. Ink pot eyes 6. The wanderer 7. Stephanie city 8. Little bird 9. Deeper tones of blue 10. Queen of queens 11. Wheel of fortune 12. Evening
CD2 THE CUTS - 1. Seashore 2. Josefina 3. St. Tropez whore 4. Three old men 5. Que sera, sera (Whatever will be, will be)
LOST AND FOUND - 6. Summer nights 7. Wine and roses 8. Love in my eyes 9. Queen of spades [First single 1968] 10. Close your eyes [First single 1968] 11. Cambridge town [demo 1968] 12. Stone and silk [demo 1968] 13. Bungles tours [demo 1968] 14. Deeper tones of blue [demo 1968] 15. Little bird [demo 1968] 16. Stanislas [demo 1968] 17. Evening [demo 1968]

CD1 THE NIGHTMARE OF J.B. STANISLAS - 1. The nightmare of J.B. Stanislas 2. Can I stay with you 3. Bungles tours 4. David’s prayer 5. Ink pot eyes 6. The wanderer 7. Stephanie city 8. Little bird 9. Deeper tones of blue 10. Queen of queens 11. Wheel of fortune 12. Evening
CD2 THE CUTS - 1. Seashore 2. Josefina 3. St. Tropez whore 4. Three old men 5. Que sera, sera (Whatever will be, will be)
LOST AND FOUND - 6. Summer nights 7. Wine and roses 8. Love in my eyes 9. Queen of spades [First single 1968] 10. Close your eyes [First single 1968] 11. Cambridge town [demo 1968] 12. Stone and silk [demo 1968] 13. Bungles tours [demo 1968] 14. Deeper tones of blue [demo 1968] 15. Little bird [demo 1968] 16. Stanislas [demo 1968] 17. Evening [demo 1968]

VV.AA.

Yo, también

ER-1147 CD Digipak

“Yo, también” es el debut largo de Álvaro Pastor y Antonio Naharro y es uno de los proyectos en los que más hemos estado involucrados éste último año en “Elefant Music Supervision”, un proyecto que ha ido tomando forma con el tiempo con el único objetivo de auxiliar y colaborar en proyectos audiovisuales de todo tipo y hacer una supervisión musical desde Elefant que ayudase a los creadores a encontrar la música perfecta para su trabajo. Su reciente paso por el festival de cine de San Sebastian ha sido un éxito absoluto, dos Conchas de Plata, la de mejor actor para Pablo Pineda y la de Mejor actriz para Lola Dueñas. Lola Dueñas (actriz de reconocido prestigio, ganadora del Goya por su interpretación en la película “Mar Adentro” de Alejandro Amenábar y nominada por “Volver” de Pedro Almodóvar), declaraba recientemente en una entrevista “Cuando acabo una película, me olvido de ella, pero nunca me había pasado que después del rodaje me pusiese las canciones que suenan en la banda sonora, como en esta ocasión”. La música juega un papel muy importante en la película y la selección musical ha resultado al final muy variada y enriquecedora. Guille Milkyway (LA CASA AZUL) fue el encargado de crear pequeñas pinceladas musicales especiales para la película. Una banda sonora atípica con piezas sencillas y desnudas, basadas en melodías de piano llenas de emoción, que a la vez potencian la felicidad más grande o se hunden en la tristeza y la frustración mas profunda. Guille es también el responsable del tema principal de la película, una rumba de corte setentero, “Yo también”, a camino entre las primeras grabaciones de LAS GRECAS o LOS AMAYA, pero con ese toque mágico que impregnan las composiciones del gran maestro. Hay mucha música en la película, tanta como personajes y situaciones. Momentos tranquilos, dulces, cotidianos, románticos, tristes, emocionantes, divertidos, locos, de fiesta, de descontrol total... la música es igual y en su conjunto crea una banda sonora perfecta para entender la película. La rumba de Guille y “Te amaré” de MANZANITA dan ese punto español a la película, que transcurre mayoritariamente en Sevilla, pero también están las canciones delicadas de los galeses THE SCHOOL, el magnetismo de CAMERA OBSCURA, el romanticismo italiano de GIORGIO TUMA o FITNESS FOREVER, la delicadeza de BMX BANDITS, el folk-pop atemporal de Nick Garrie y RÓZSÄK o la fuerza y ritmo de LA CASA AZUL, SOUVENIR, BEEF o THE GENTLE PEOPLE entre otros.

Sí, JUNIPER MOON fueron unos de los más hábiles compositores de píldoras punk-pop que ha habido nunca en territorio español, y así lo corroboró su gran repercusión internacional. Pero el caso es que ya hace más de 4 años que no existen JUNIPER MOON (aunque, todo hay que decirlo, su fuego todavía no se ha apagado, como demuestra ese recopilatorio que se publicará próximamente en Japón). De las cenizas de aquel grupo irrepetible, nacieron hace tres años LINDA GUILALA; Iván y Eva se lanzaron a la composición de temas con la inmediatez como modus operandi, igualmente adictivos y manteniendo esa frescura máxima en las melodías, con lo mejor de la tradición pop de bandas de la nueva ola española como ALASKA Y LOS PEGAMOIDES o LOS ZOMBIES, con la insolente energía de HELEN LOVE, y esa pasión por las texturas densas pero cautivadoras de grupos como CHARLOTTES, MY BLOODY VALENTINE o PALE SAINTS. Por fin tenemos la suerte de tener en nuestras manos su disco de debut “Bucles infinitos”, una demostración de una manera de entender el pop que pocos han sublimado hasta éste nivel, sabiendo equilibrar la energía juvenil, la pasión twee con querencias por el pop más clásico, el tecno-pop más luminoso con ese toque punk irremediable, y sobre todo el brillo brumoso de las atmósferas shoegazers, dando lugar a un auténtico tratado para los amantes del género melódico por antonomasia. Nos acordamos de LOS PEGAMOIDES, y a su vez de los primeros discos de LUSH, de MY BLOODY VALENTINE, de RIDE, de aquellas bandas que tanto nos hicieron vibrar a principios de los noventa, pero la energía con la que abordan éste “Bucles infinitos”, esas guitarras distorsionadas hasta las cejas que aparecen y desaparecen, los coros de Eva, los teclados... hacen de éste disco algo realmente especial. Las canciones de LINDA GUILALA saben jugar al pop y a la melancolía, a la velocidad y el ensimismamiento, a las texturas y a las melodías, y al final te dejan con la sensación de haber escuchado un puñado de composiciones pop tremendamente adictivas que nunca antes habías echado a tus oídos. Haz la prueba.

Lo que podría haber sido un disco de los temas más laureados del dúo Alemán, revisitados en nuestro idioma (más de una vez han demostrado su pasión por cantar en diversas lenguas, como francés, alemán, inglés, italiano, turco o japonés), ha acabado incluyendo además una pequeña pero increíble colección de versiones, la mayoría de ellas seleccionadas exquisitamente del cancionero pop español de las últimas décadas. Y es que después de más de 15 años dejándonos adictivas piezas del mejor Electro-pop (con toques Punk, Disco, New wave y Garage), Françoise Cactus y Brezel Göring no podían abordar de manera diferente una furtiva y ágil mirada atrás: desprejuiciadamente, con una actitud traviesa y sobre todo enormemente divertida y disfrutable. Así, reciben la revisión canciones como el “No controles” de OLÉ OLÉ, “Voy a ser mamá” de ALMODOVAR y McNAMARA y “C’est fini” de LA CASA AZUL. Resulta sorprendente poder escuchar estas canciones rezumadas por el filtro STEREO TOTAL y cantadas en nuestro idioma con ese acento francés tan sonoro. Y además, la ocasión de volver a disfrutar de canciones de todas las etapas del grupo, incluyendo dos temas de THE LOLITAS (el grupo con el que Françoise se dio a conocer a mediados de los 80). “Wir tanzen im 4-Eck” es ahora “Bailamos en cuadrado”, “Everybody in the discotheque (I hate)” queda rebautizada como “Todo el mundo en la discoteca”, “Plus minus null” es “Más menos cero” o su increíble “L’amour à 3” es “Amo amor a tres”. Es decir, estamos acudiendo a una reinvención, a un efímero renacimiento: idioma diferente, canciones diferentes en la forma (muchas de ellas mutan de forma curiosa)... Todo ello efectuado con esa actitud rebelde e inconformista, acentuada por un toque rock’n roll sorprendente y con la garantía de uno de los mejores creadores de hits que hay en la actualidad. Como si mirar atrás fuese solo una ilusión, un planteamiento realizado para vivir el presente con mayor intensidad. Un banquete pantagruélico, un menú irrepetible, con los sofisticados aromas franceses, la contundencia de las materias primas alemanas, y ese punto soleado y salado de la dieta mediterránea, todo bien cargadito de picante, tabasco y cayena. Una orgía musical, bárbara, canalla, en la que el sexo vuelve a jugar un importante papel, donde KRAFTWERK practican un libidinoso juego con las musas galas, y los RAMONES declaran una guerra de almohadones a Plastic Bertrand, mientras URSULA 1000 pincha canciones en una bacanal estelar. Como no podía ser de otra manera, STEREO TOTAL vuelven a sorprendernos irremediablemente, haciendo su propio camino, saltándose todas las normas conocidas y por conocer, destrozando el concepto del recopilatorio, adaptándolo a lo que ellos quieren, a lo que se les antoja, regalándonos tanto hedonismo y ganas de disfrutar.

Edición limitada en vinilo de color blanco

“La revolución sexual” nos dejó momentos inolvidables, una felicidad jamás soñada y una sensación de placer eterna. Los conciertos de presentación fueron auténticas exaltaciones de felicidad incontrolada, de locura colectiva y de un desahogo realmente terapéutico. Este nuevo trabajo de LA CASA AZUL es un regalo para los fans, un pequeño souvenir que cierra una etapa mágica. Este nuevo viaje de LA CASA AZUL sigue estando lleno de fantasía, una fantasía que nace de su nuevo vídeo-clip “La nueva Yma Sumac”, un impresionante trabajo del gran maestro Duprez (responsable también del diseño del disco) y un equipo formado por auténticos fans del grupo. Un proyecto ambicioso que hace de este vídeo-clip un trabajo único y sin precedentes en la historia del video-clip musical y la animación en nuestro país y que sin ninguna duda dará también mucho que hablar fuera de nuestras fronteras.

Algunos de los personajes más admirados por Guille Milkyway se han rendido incondicionalmente a “La revolución sexual” y colaboran en este disco haciendo de él, el proyecto más internacional de LA CASA AZUL. Françoise (STEREO TOTAL) canta en alemán una nueva versión de “La revolución sexual” que Guille ha regrabado casi por completo. El propio Guille se hace cargo de las voces en la versión en inglés y la exquisita Yeongene hace lo propio en la versión en Coreano. Guille y Duglas T Steward (BMX BANDITS) comparten voces en “Bad boys”, la versión en inglés de “Chicos malos”, que es además un sentido homenaje a Chris Montez y THE APRILS remezclan “La nueva Yma Sumac” cantándola en Japonés. Inspirado en el single “Jump up & down” de HELEN LOVE, Guille ha construido un autentico rompepistas en el que tampoco faltan pequeños homenajes o guiños a Plastic Bertran, el rock and roll de los años 50 y por supuesto la música surf, una de sus grandes pasiones. El disco incluye tres versiones: “Señora” de Joan Manuel Serrat, “I want you back” de los JACKSON FIVE y “Love is in the air” de John Paul John; Y se cierra con cuatro canciones en directo extraídas de uno de sus últimos conciertos en Barcelona.

Es un disco muy especial de edición limitada, que además contiene en una pista de datos el vídeo clip de “La nueva Yma Sumac” (en castellano y en japonés), y fondos de pantalla para el ordenador y para el móvil.

Después de tres nuevos singles (dos de ellos descatalogados casi de manera instantánea, después de habitar varias semanas en lo más alto de las listas de ventas) y cinco años más, llega el tercer disco de Alejandro Díez al frente de COOPER. Estas citas en formato largo van a comenzar a convertirse en esos necesarios puntos de reflexión e inflexión en una carrera que avanza impulsada por canciones que funcionan como cohetes con destinos estratosféricos. Composiciones cocinadas a fuego lento, alejadas de las reglas de la industria pero cercanas a las pasiones de ese público que le es tan fiel y a la inspiración de un genio del pop, después de más de 20 años poblando nuestros escenarios, por aquel entonces al frente de LOS FLECHAZOS.
Recopilación de canciones que, una vez juntas todas ellas, y con el añadido de los nuevos temas de rigor (“Hyde Park” es un trallazo, puede que sea el hit más directo e incontestable que ha firmado Alejandro desde que comenzó con COOPER, “Lisboa” es una delicia psicodélica en un rara avis dentro de la discografía del artista, “El sueño”, una maravillosa versión de unos tempraneros NACHA POP y “La edad de la inocencia”, una nueva referencia cinéfila, esta vez a la película de Martin Scorsese, a ritmo de power-pop) ofrecen la visión de un artista que disfruta de una madurez compositiva, de un sonido cercano a los clásicos (THE BYRDS, THE HOLLIES, THE ZOMBIES…) y a los contemporaneos (TEENAGE FAN CLUB, VELVET CRUSH, WEEZER…) y que más que nunca ve su carrera musical como un viaje con miles de momentos maravillosos todavía por disfrutar, como lo han sido últimamente “El círculo polar”, “Canción de viernes” o “Un dia de furia”, entre otras. Y es que la única certeza, como nos hace entender el propio Alex en las notas interiores, es que todavía quedan muchos puertos que visitar, muchos sitios que descubrir, muchos espacios que habitar. Y si éstas son las canciones que prometen acompañarnos durante la travesía, no podemos más que abrir las alas y acompañarle en un viaje a los paraísos del pop. 

También disponible en vinilo!

El de LA BIEN QUERIDA es uno de los discos más esperados del indie-pop español en los últimos tiempos. Y eso es porque su maqueta enamoró a todo el mundo (elegida mejor del año 2007 por Mondo Sonoro, destacada en Rockdelux y escuchada cientos de miles de veces en myspace, donde su página es una de las más visitadas de un artista novel). LA BIEN QUERIDA, es decir, Ana Fernández-Villaverde, acudió para grabar su debut (7 canciones de la maqueta y 5 nuevas) a David Rodríguez (BEEF), atraída por la portentosa creatividad de su proyecto en solitario LA ESTRELLA DE DAVID. Ana quería domesticar los arreglos estrafalarios y la producción cubista de David hacia sonidos limpios para encajarlos en el entorno amable de sus bellas canciones. Y vaya si lo ha conseguido. La mágica inventiva de David y las dulces melodías de Ana se funden y caminan juntas hacia un lugar exclusivo en el que se mezclan flamenco, música árabe, rancheras y hasta tecno, no se han cortado (cuentan con la ORQUESTA ARAB DE BARCELONA, un guitarrista flamenco, incluso Joe Crepúsculo haciendo voces). Pero eso son solo los colores de las canciones, que no distraen de su componente principal: una portentosa colección de emocionantes melodías vocales, con una belleza abrumadora y unas letras muy interesantes que destripan las relaciones y desnudan los sentimientos con conmovedora sinceridad. El disco tiene el filo armónico de LOS PLANETAS, la encantadora dulzura de LA BUENA VIDA y el contagioso romanticismo de FAMILY, pero en realidad se crea un espacio único. Quizás su principal paralelismo se pueda establecer con el monumental “69 Love Songs” de THE MAGNETIC FIELDS, con canciones aparentemente simples pero con una personalidad artística muy definida y particular que escapa a todos los estilos, o quizás los une todos sin que nos demos cuenta. Y, como en “69 Love Songs”, lo verdaderamente importante es la emoción que transmiten las canciones. “Corpus christi”, “De momento abril”, “Santa fe”, “El zoo absoluto”, “Bendita”, “7 medidas de seguridad”... es un repertorio escalofriante que se disfruta tanto con el corazón abierto inundado de emociones como con la cabeza atenta a los detalles musicales que pululan por la producción. Sin duda es un disco que marcará un hito.

La espera ha sido larga, pero por fin podemos disfrutar del nuevo y esperadísimo álbum de COLA JET SET; segundo en su carrera y primero para Elefant. Un espacio de tiempo en el que, además de asentar una formación que ha quedado definitivamente formada por Ana (LA MONJA ENANA), Felipe (LOS FRESONES REBELDES, LES TRÈS BIEN ENSEMBLE), Joan, Alicia y Cristina (LOS FRESONES REBELDES), el grupo ha purificado su sonido, lo ha acercado al pop en su concepto más clásico, con evidentes influencias sixties (Jackie De Shannon, THE RONETTES, THE BYRDS...) pero además ha sabido enriquecerlo con pequeñas intoxicaciones estilísticas que han ido surgiendo por el camino: el soul, la música disco, la psicodelia-pop, el soft-pop... Por eso “Guitarras y tambores” es en el fondo un disco de pop clásico. Porque sus melodías y sus arreglos están inspirados en los grandes nombres del género. Porque la frescura y la vitalidad campan a sus anchas en un disco lleno de emociones. Pero sobre todo porque el pop no lo es tanto si no se deja pervertir por otros estilos, por otras influencias, por otros horizontes. Celebremos pues que COLA JET SET han vuelto definitivamente para quedarse y ser definitivamente una de las mejores bandas de pop en castellano que hayan nacido en este país.

Existe una edición limitada en vinilo rosa para los amantes de este formato.

Audio AQUÍ [DEEZER] y en SPOTIFY

“49 Arlington Gardens” debe ser el disco que la historia musical utilice para saldar cuentas con Nick Garrie. Hay demasiadas razones para que así lo sea. Las maravillosas sesiones de grabación en Escocia, apadrinadas por Ally Kerr y que contaron con nombres como Norman Blake (TEENAGE FANCLUB), Francis McDonald (NICE MAN, TEENAGE FANCLUB, BMX BANDITS), Duglas T. Stewart (BMX BANDITS) produciendo, y Duncan Cameron (DELGADOS, TRAVIS, TRASHCAN SINATRAS) como ingeniero de sonido, junto a los todavía desconocidos DOGHOUSE ROSES, la española Sandra Belda Martínez (CALIFORNIA SNOW STORY, SUPERÉTÉ), Rachel Allison, Iona McDonald y muchos más músicos de la escena indie pop escocesa. Una colección apabullante de grandes composiciones, con preciosidades como “Twilight”, “Le pont mirabeau”, “When evening comes” o “When the child in you”, o un tema de profundo romanticismo como es “Lovers”, escrito junto a Francis Lai (responsable de bandas sonoras históricas como “Un hombre y una mujer” o “Love Story”). El hecho de que “The nightmare of J.B. Stanislas”, el disco maldito que editó en 1969 que apenas llegó a ver la luz y que hoy es pieza de coleccionista, esté teniendo ese pequeño momento de gloria que el azar le arrebató en su momento. Y sobre todo, un cantautor, Nick Garrie, con una preciosa voz llena de solemnidad y un sentido del pop clásico, en el mejor sentido de la palabra, disfrutando de un momento de brillante inspiración.
Uno de esos discos que ve la luz gracias al empuje de una nueva generación de músicos, admiradores del cantautor británico. Un disco honesto, cercano, elegante, preciosista, que mantiene un maravilloso equilibro entre arreglos y melodías. Composiciones ensoñadoras de pop y folk arreglado que tratan la naturaleza humana con humildad y candor y entre las que destaca esa sorprendente y epatante inyección de juvenil fantasía que es “The clockmaker”.

Existe una edición limitada en vinilo para los amantes de este formato.

FITNESS FOREVER es un sorprendente cuarteto italiano que debuta en formato largo con “Personal train”, un maravilloso disco de pop que aúna una inmensa cantidad de influencias con un gusto maravilloso, obra de unos músicos que manejan con extraordinaria habilidad los mimbres del pop más preciosista y elegante: desde referentes modernos como LA CASA AZUL (Guille es uno de sus fans más incondicionales), CINERAMA, THE HIGH LLAMAS, Richard Hawley, BELLE & SEBASTIAN, THE POLYPHONIC SPREE o incluso LE MANS, a otros clásicos como Bacharach, Michel Legrand, THE BEACH BOYS, THE COWSILLS, THE FREE DESIGN o Gladys Knight, y como no podía ser menos, los italianos: Rita Pavone, Ennio Morricone, Nico fidenco, Gino Paoli, Piero Umiliani o Mina. Todo ello da lugar a un disco casi faraónico (aunque su sonido sea lo más lejano a las connotaciones de este adjetivo), cuyo método de composición (al estilo de los autores de los sesenta, a base de horas de estudio) les ha llevado a estar más de un año encerrados en su gestación, para logran un disco vitalista, lleno de grandes melodías pop y maravillosos arreglos cuidados al detalle. Uno de esos discos de los que cada escucha descubre nuevos matices y que pone ante nosotros a Carlos Valderrama, probablemente uno de los nombres que más vamos a escuchar en los próximos años, capaz de aunar clasicismo y visión. Y ya saben, señores, hagan ejercicio: es muy recomendable para los espíritus pop. Aquí tienen a sus entrenadores personales.

Existe una edición limitada en vinilo blanco para los amantes de este formato.